Почему нам сложно критически оценивать собственное творчество ?

В первую очередь это связано с тем, что по мере его создания мы с каждой секундой творческого процесса становимся более сопричастными к нему, созависимы от него, а оттого менее объективными к нему. Опытные художники легче преодолевает эту зависимость, потому что опыт подсказывал им, как преодолевать это состояние необъективности.

Для начала всегда стоит напоминать себе одну простую истину — не бывает совершенных произведений искусства, все земные творения имеют недостатки — это их неотъемлемое качество, только у всех произведений искусств разный уро

Хотя у людей разные способности и одни развиваются в глубину, а другие в глубину, вверх и вширь, стоит помнить, что развитие творческой личности происходит до конца жизни (конечно если вы творчеством занимаетесь всю жизнь). Я вспоминаю случай, когда одну свою раннюю работу посчитал достойной хорошей галереи, а через несколько лет (может через 10) увидев её, был так разочарован её исполнением, что просто выкинул на помойку).

Есть множество приемов диссоциации, но я бы разделил их на три основных — физический, психологический и метафизический (нейролингвистический)

Вот они по мере усложнения

1. Используйте фактор времени: небольшой перерыв на отдых, перерыв на несколько часов или дней, перерыв на сон, перерыв на неделю или на месяц (ы) и даже год (ы). Это один из самых простых и очень эффективных способов посмотреть на свое творчество со стороны, когда происходит переход из эмоционального состояния в аналитическое. Г. Фири «Разрыв с собственным творчеством», 2021 г., 30/30см, бумвга, уголь Как научиться смотреть на собственное творчество со стороны, чтобы видеть свои ошибки. Основные приемы диссоциации

2. Фотографируйте работы и оценивайте их по фотографии. Это тоже очень эффективный приём, который сразу решает несколько задач.

3. Измените исходное положение работы в пространстве. Например, если вы работали в вертикальном положении — опустите работу в горизонтальное и наоборот. Или как учат в школах переверните работу с ног на голову или положите её набок)

4. Используйте фактор расстояния. Помимо использования общеизвестного правила просмотра в 2,5-х диагоналях от размера картины (что позволяет смотреть на произведение целиком). Стоит запомнить — чем более далеко вы отходите от своей работы, тем вам легче объективнее её оценивать. Поэтому важно иметь возможность работать в больших помещениях, чтобы смотреть на свое творчество издалека в прямом и в переносном смысле)). Частично. такую возможность дает фотографирование на телефон или планшет.

5. Используйте фактор чужого пространства. Просмотрите свою работу в новом (незнакомом) пространстве (комнате, помещении, улице и пр) и оцените ее там или что ещё более эффективно разместите её в галерее (не обязательно даже договариваться с галереей, достаточно принести в раме и поставить на некоторое время), что позволяет решить сразу несколько задач.

6. Используйте возможности глаза. Например расфокусируйте зрение и смотрите как бы сквозь картину или понемного на нее боковым зрением.

7. Используйте фактор соревновательности. Например, сравните свою работу по фотографии с работами больших мастеров. Поставьте ее в длинный ряд изображений на планшете в самый конец просмотра или возьмите известную работу со схожим сюжетом и сравните со своей. К сожалению, этот прием требует хорошей теоретической подготовки, чтобы осознавать конкретные преимущества качественных работ и направление вашего дальнейшего развития

8. Используйте фактор времени суток. Я заметил, что в разное время суток меняется объективность восприятия (у меня это раннее время суток). Проанализируйте и найдите свое время более объективного анализа.

9. Используйте ускоренный ритм работы. Для этого ставьте себе временные рамки исполнения работы. Концентрация на ускоренном ритме мобилизует возможности организма (в соответствии с вашим уровнем мастерства) и дестабилизирует (уменьшает) желание привязаться к собственному творчеству), Как бонус — ваша работа приобретает легкость.

10. Физически отделите работу от себя. Например, разместите ее под стекло в раму, поставьте в стеклянный шкаф или совсем закройте в ящике или кладовке.

11.Посмотрите на свою работу в зеркало

12. Проговорите про себя, а потом вслух видимые вам на настоящий момент недостатки вашей работы.

13 Записывайте периодически недостатки творчества в дневник. И периодически перечитывайте его). Такой способ позволяет использовать некоторые особенности нашей психофизиологии.

14. Если вы хотите развиваться — стоит изначально подходить к своему творчеству очень критически. То есть смотрите изначально на свою работу не с положительной оценкой, а с критической (сразу ищите недостатки). Удовлетворение от проделанной работы ищите только в самом конце процесса.

15. Эмоциональное переключение: Переключите эмоциональное внимание на другой объект творчества — на другое свое творчество (картину, дизайн, музыку, стихи, архитектуру), сходите в музей (на выставку), езжайте в путешествие или переключите внимание на то. что не связано с творчеством — просмотр интересного кинофильма, прослушивание музыки, вкусная еда, занятие медитацией и пр)

16. Оцените вашу работу у профессионала — критика или художника, или галериста) Никогда не бойтесь услышать правду от профессионала. Подготовьтесь к тому, что чаще всего она будет болезненная для вас, если профессионалу ничего не нужно от вас). Похвала повышает самооценку, но снижает ее объективность

17. Вынесите на обсуждение в творческий коллектив. В этом случае будьте особенно внимательны к своим внутренним ощущениям — ведь если вам, еще до начала показа становится некомфортно — это уже сигнал вашему творческому Я. И проследите за своими реакциями во время обсуждения и просмотра.

18. Обсудите работу с непрофессиональным в творческом плане человеком — с другом, родственником, посторонним)

19. Используйте метод провокации (или парадокса). Вывесите работу на обозрение и начните о ней строгий, уничижительный разговор с тем, кто не знает, что вы автор.

20. Попробуйте себя представить на месте известного мастера (или вашего учителя) и вообразить себе, как бы он сделал эту работу

21. Поставьте себя на место хорошего беспристрастного критика и начните за него проговаривать список ошибок в вашей работе.

22. Вообразите себя на месте постороннего, без художественного образования человека и посмотрите его глазами на своё творчество.

23. Начните внутри себя разговор с большим, возможно умершим мастером и попробуйте услышать его советы. Возможно советы придут не cразу.

24. Всегда (и чаще) благодарите высшие творческие силы за помощь в вашем труде. Это всегда увеличивает дистанцию между вами и вашим творчеством.

25. Сыграйте в игру «магазин» или «глаза покупателя» (это схожий с физическим размещением работы в галерее, но иной прием). Представьте, что вы пришли в салон, чтобы выбрать картину и после долгого осмотра того, что вы себе представили), подошли к своей работе и… Проанализируйте в этот момент свои чувства — купили бы вы эту работу, хватает ли вашей работе мастерства, эмоций, контрастов, сочности, разнообразия красок, хорошего настроения и прочего. Если ваш ответ — нет, то сделайте выводы.

26. Попробуйте выйти за пределы своего времени и посмотреть на свою работу, как будто уже прошло 100 или 1000 лет.

27. Вообразите, что вы хотите подарить работу уважаемому человеку, отследите свои реакции.

28. Вообразите, что это ваша последняя работа и больше вы ничего не создадите и проследите за своими реакциями и выводами. Конечно, эти приемы можно комбинировать между собой и применять не только в изобразительном искусстве.

Перед копированием я всегда задаюсь несколькими вопросами: что меня впечатлило? Почему и какими приемами этого добился автор? С началом работы я погружаюсь в атмосферу того времени, как бы растворяюсь в реке прошлого и чувствую невероятную, почти мистическую вовлеченность в процесс.

Сперва я делаю предварительные наброски последовательности нанесения цвета, ищу нужную толщину и длину линий на обрывках бумаги. В общем, делаю все, чтобы копия звучала как оригинал. В процессе копирования приходит понимание и отработка самых разнообразных технических приемов. Это позволяет мне понять, оценить и пропустить через свое подсознание огромное количество информации, а именно нюансов техники, цветовых решений, особенностей композиции и прочего. Я убежден, что копирование мастеров графики — один из наиболее эффективных способов обучения и повышения уровня своего мастерства.

Для примера я выбрал работу Дега. Принял решение рисовать на желтой бумаге Rembrandt формата 30×42 плотностью 180 грамм. Она подходит для большого количества слоев и большого количества правок.

1. В самом начале решаю совсем немного изменить композицию. Делаю главную фигуру чуть меньшего размера для большего выявления других фигур — мне показалось, это сделает композицию более сложной (на финальной стадии выяснилось, что это была ошибка, но об этом позже).

Рисую контуры фигур и тени углем. Правильный предварительный рисунок дает 50% успеха. Двигаюсь от центра, чтобы не ошибиться в пропорциях. Над деталями начинаю работать, когда добиваюсь общего пропорционального сходства.

2. На следующем этапе создаю красный подмалевок для придания максимальной сочности пола и стен на последующих этапах.

3. Определяю самые светлые и темные места, создаю темные акценты в работе. Это синий бант, черная лента, рыжие волосы — они будут служить камертоном в тоновых контрастах.

На этом же этапе создаю легкий светло-желтый оттенок на пачках, который пригодится для создания теплового контраста с белым цветом, голубым и фиолетовым, который я нанесу (как Дега) на финальной стадии. При этом все время держу в голове, что самое светлое пятно — это пачки балерин, чтобы не переборщить с плотностью желтого оттенка.

4. Наношу на лицо, ноги и руки фигуры темно-охристый оттенок для придания телу необходимой плотности. Этот цвет я буду перебивать и добавлять в него холодные и теплые краски. Делаю светлые блики для придания объема.

5. Наношу белый цвет тюля пачки. Это самые светлые места на картине. С появлением самых темных и самых светлых мест картина начинает быть картиной.

6. Работаю с контрастами. Создаю темный теплый задний план стены и теплые тени от балерин. Эти теплые участки в дальнейшем подчеркнут светлые холодные пачки балерин. Наношу первые холодные полутени на пачки.

7. Уплотняю пол, создаю градиент от светло-желтого до плотного золотисто-красного оттенка. Усиливаю теплые темные тени на стене и от балерин. Работаю над всеми элементами картины, создавая нужную игру теней и бликов. Создаю разнообразие бело-голубой пачки. Слежу за тепловыми отношениями, постепенно делая их все более выразительными.

В целом следует отметить, что Дега почти всегда создает очень сочный тепловой контраст, в некоторых местах еще больше подчеркивает его теплыми контурами

8. Завершаю работу над всеми элементами. Наношу завершающие фиолетовые оттенки на пачки — этот оттенок более выразителен по сравнению с обычным голубым.

Можно и нужно остановиться. Но…

На завершающем этапе мне пришлось признать свою ошибку: уменьшение размера главной фигуры сделало ее более равновеликой остальным, и оттого акцент стал менее ярким, а композиция — менее выразительной.

Поэтому…

9. Решаю немного увеличить размер главной фигуры за счет ног (к сожалению, это сделало работу чуть более замученной и менее легкой). Вдобавок меняю угол направляющих линий досок пола, делая их более пологими и, соответственно, создавая более низкую линию горизонта, что делает главную фигуру еще немного заметней.

Дополнительно размываю контур пачек справа, кое-где добавляю контуры и уплотняю некоторые краски. Стараюсь не дрожать над каждой линией. Движения должны быть легкими, уверенными, точными и достаточно быстрыми.

Спасибо, если дочитали до конца и ознакомились с моим процессом копирования.

Георгий Фирсов